¿Velcro o broches? El ABC de desnudarse por una causa

Jerry Mitchell era un vagabundo de Broadway de 32 años que causaba sensación cada noche al bailar casi desnudo en “The Will Rogers Follies” cuando tuvo una idea: sacudir su trasero desnudo por una buena causa.

Era 1992, cerca del apogeo de la crisis del SIDA. Mitchell reclutó a siete compañeros bailarines en forma de otros espectáculos de Broadway, y en una lluviosa noche de domingo en Splash, un club gay cerrado desde entonces en Chelsea, se turnaron para desvestirse en la barra para recaudar fondos para Broadway Cares/Equity Fights AIDS. Dos espectáculos y una bandeja de tragos de tequila más tarde, las strippers novatas habían recaudado $ 8,000, y nació el espectáculo burlesco Broadway Bares.

“Había gente que estaba confundida sobre por qué estábamos usando un espectáculo de striptease para recaudar dinero para el SIDA”, dijo Mitchell, quien ahora es un director y coreógrafo ganador del Premio Tony, en una entrevista telefónica. “Provenía de un lugar de inocencia”, dijo, y de escasez: no tenía el dinero para asistir a importantes eventos benéficos contra el SIDA, “pero tenía el impulso y el deseo de ayudar a mi comunidad”.

Broadway Bares se convirtió en un éxito, superando un establecimiento tras otro y cada vez más pulido, hasta que “no éramos solo un beneficio”, dijo Mitchell. “Éramos un espectáculo de Broadway”. El domingo, ese espectáculo celebrará su 30 aniversario en el Hammerstein Ballroom en Midtown Manhattan, con funciones a las 9:30 pm y la medianoche.

Organizar el evento, que involucra a más de 500 artistas de teatro voluntarios, entre ellos artistas, diseñadores y directores de escena, muchos ocupados en los espectáculos actuales de Broadway, es un juego de logística complejo y frenético, coronado por un ensayo final en el que todo, la producción de una sola noche se junta en cuestión de días.

En uno de esos ensayos esta semana, en un estudio cerca de Times Square, casi 30 bailarines daban vueltas, pateaban y pretendían arrancarse los pantalones. Laya Barak, directora del espectáculo de este año y creadora del número de apertura, recordó a todos que “mantuvieran la cabeza” y “alcanzar desde el hombro”. Más apremiante, sin embargo, fue la coreografía de la ropa. “Cualquiera que sea su desprendible, tiene que viajar con ustedes”, le dijo a un grupo, lo que significa que necesitaban llevarse las capas descartadas. Otros artículos debían entregarse a otros bailarines o arrojarse fuera del escenario.

“¿Llevas puesto un suspensorio o un tanga?” le preguntó a un bailarín cuál era su atuendo para el espectáculo, que muestra mucho pero no llega a la desnudez frontal completa. No estaba seguro; los disfraces aún se estaban construyendo y no estarían listos hasta el sábado.

Eso significaba que Collin Heyward, el bailarín principal de otra pieza, y sus compañeros de reparto no podrían practicar cómo quitarse la ropa hasta el día anterior al estreno. En el ensayo, Heyward, quien hizo su debut en Broadway en “El Rey León” en febrero, abordó la coreografía de hip-hop con confianza, pero admitió estar ansioso por desnudarse. “Tiene que ser impecable”, dijo. “Esa es una presión adicional”.

Con alrededor de una docena de rutinas de baile, cada una con su propio coreógrafo, Broadway Bares es una plataforma de alto perfil para los creadores de danza emergentes. Las rutinas usan una variedad de estilos, incluyendo hip-hop, baile latino, ballet y artes aéreas, a menudo combinados en nuevas combinaciones. Pero el burlesque sigue siendo el núcleo del ethos y la actitud artística.

“Burlesque no se trata solo de estar desnudo”, dijo Mitchell. “Se trata de ser divertido. El humor es el corazón”.

Aún así, el final del juego se está desnudando. Y eso tiene sus complicaciones.

Las “tiras de plomo”, como se conoce a los bailarines destacados, pueden tener hasta cinco capas para quitar. El primero es fácil, como un sombrero o un abrigo. “Entonces se vuelve un poco complicado”, dijo Nick Kenkel, quien ha estado involucrado en el programa durante casi 20 años y ahora es productor ejecutivo. Puede que se rompa una camiseta (preparada con un pequeño corte para facilitar el desgarro), seguida de unos pantalones de bailarina, pero “tienes que hacerlo de manera que los calzoncillos ajustados debajo no se salgan”, dijo. .

Cuidar esos frágiles trajes y perfeccionar su eliminación en el momento preciso es una nueva habilidad para los bailarines más acostumbrados a concentrarse en contar que en desechar la ropa. “Si no estás esforzándote lo suficiente, puedes arruinar la tira”, dijo Jonathan Lee, director asociado y uno de los coreógrafos de Broadway Bares.

Ahí es donde entran los diseñadores de vestuario, con sus trucos y herramientas para construir ropa que sea “cómoda para bailar pero que no se rompa en el momento equivocado”, dijo la diseñadora Sarah Marie Dixey. Los disfraces de aparejo rápido usan una variedad de sujetadores, cada uno con ventajas y desventajas. Dixey se llamó a sí misma “una persona anti-velcro”, y agregó: “Soy muy aficionada a los broches e imanes. Realmente no se enredan en nada”. Desde la perspectiva del artista, surgió un consenso: “Snaps”, dijo Lee. “Siempre instantáneas”.

Los contratiempos son inevitables, pero “estas son personas que hacen esto todo el tiempo”, dijo Dixey. “No necesariamente desnudarse, sino estar en el escenario y ser capaz de resolver problemas en el momento”.

Dejando a un lado la mecánica, desnudarse “fue un desafío para mí artísticamente”, dijo Aubrey Lynch II, exbailarina de Alvin Ailey American Dance Theatre y “The Lion King” que actuó en varios de los primeros espectáculos de Broadway Bares y ahora es decana y directora de educación en el American Ballet Theatre. A pesar de cualquier vacilación inicial, Lynch dijo que lo que experimentó en el escenario fue libertad, lo que “agregó otra capa de desempeño a mi caja de herramientas y extrañamente fortaleció mi autoestima”.

Esa es una lección que Mitchell está feliz de que los artistas aprendan. Él ve desnudarse en el escenario no como un acto vulnerable, sino como un acto de empoderamiento. “Están en el asiento del conductor”, dijo que les dice a los bailarines, recordándoles que “el público está de su lado. Te están apoyando. Si estás cómodo, ellos están cómodos”.

Las rutinas de Broadway Bares, que duran de tres a cuatro minutos, transmiten una mininarrativa y se han inspirado en elementos como los mitos griegos y los juegos de mesa. Algunos coreógrafos también han utilizado el baile para comentar sobre problemas sociales.

En la producción de este año, titulada “XXX”, un guiño tanto a la edad del programa como a su picardía, Lee reinventó un número de superhéroe del evento de 2002 para incluir personajes como Black Panther (bailado por Heyward) y Shang-Chi con música dancehall, Afro golpes y pasos. “Quería honrar lo que hemos ganado en los últimos 20 años”, dijo.

Mientras que el Broadway Bares inaugural contó solo con hombres cisgénero bien tonificados, el evento del próximo año incluyó a mujeres. Las iteraciones posteriores han pasado a presentar artistas transgénero, bailarines discapacitados y todas las expresiones de la sexualidad. “Incluso hemos tenido artistas heterosexuales”, bromeó Mitchell. (Sin embargo, a pesar de toda la representación en el escenario, la audiencia sigue siendo en su mayoría hombres homosexuales).

Cuando Jessica Castro fue invitada a crear un baile este año, sabía que quería abrazar la positividad corporal. Ella eligió a su estrella Akira Armstrong, una bailarina de talla grande y fundadora de la compañía de danza Pretty Big Movement. “Se trata de celebrar todos los orígenes, todas las formas del cuerpo, todos los tipos”, dijo Castro, y agregó que descubrió que desnudarse era un acto de agencia. “Es un desprendimiento de todos estos ideales, todas estas construcciones que la sociedad nos ha impuesto”.

Durante los 30 años de espectáculos de Broadway Bares, el SIDA se ha convertido en una condición manejable, especialmente para quienes tienen acceso a atención médica y medicamentos preventivos. Pero la devastación que causó en la unida escena teatral de Nueva York es parte de la historia de Broadway que está entretejida en la misión del espectáculo.

El evento es “tanto una recaudación de fondos como una oportunidad educativa”, dijo Tom Viola, el director ejecutivo de Broadway Cares que asistió al primer Bares at Splash. (Hasta la fecha, ha recaudado más de $22 millones para que Broadway Cares respalde los servicios sociales y de salud para los profesionales del entretenimiento tanto a nivel local como nacional, de manera crucial durante la pandemia de coronavirus).

Como parte del período de ensayo, la organización ayuda a los bailarines, la mayoría de los cuales no experimentaron lo peor de la epidemia del SIDA, a “comprender la ira, el dolor, la pérdida y el estigma que primero nos impulsó a la acción”, dijo Viola. En el ensayo de esta semana, los bailarines recibieron perfiles de las organizaciones beneficiarias y se les animó a intensificar sus propios esfuerzos de recaudación de fondos en línea.

Y si bien Barak está preocupada por todos los elementos habituales de dirigir un espectáculo de esta escala, también pregunta: “¿Cómo mantenemos esa llama en el futuro para continuar recaudando dinero para Broadway Cares y continuar con esta tradición de comunidad?”

Pero mientras tanto, en el ensayo, estaba lista para otro ensayo.

“Pasando de la tira de los pantalones!” ella gritó.